Co v překladu znamená slovo baroko?

Baroko (italsky barocco, doslova – bizarní, zvláštní), jeden z dominantních stylů v architektuře a umění Evropy a Latinské Ameriky konce 16. – poloviny 18. století. Baroko ztělesňovalo nové představy o jednotě, bezmeznosti a rozmanitosti světa, o jeho dramatické složitosti a věčné proměnlivosti; jeho estetika byla postavena na střetu člověka a světa, ideálních a smyslných principů, rozumu a iracionalismu.

Baroko pochází z Itálie, v Evropě se prosadilo v době formování národních států a bylo úzce spjato s církví a aristokratickými kruhy: barokní umění bylo navrženo tak, aby oslavovalo a propagovalo jejich moc. Baroko dalo vzniknout i vědě. Právě v této době se začala rozvíjet biologie, anatomie, fyzika, chemie a další obory.

Barokní umění se vyznačuje vznešeností, nádherou a dynamikou, patetickým nadšením, intenzitou pocitů, vášní pro velkolepou podívanou, spojením iluzorního a skutečného, ​​silnými kontrasty měřítka a rytmu, materiálů a textur, světla a stínu.

V první řadě se baroko projevilo v architektuře. Syntéza umění získala v baroku ucelený charakter: městské soubory, paláce a kostely díky bizarní plasticitě fasád, neklidné hře šerosvitu a složitým křivočarým plánům získaly malebnost a dynamiku; interiéry budov byly vyzdobeny vícebarevnou plastikou, modelováním a řezbami, zrcadla a malby iluzivně rozšiřovaly prostor a malba stínidel vytvářela efekt otevřených kleneb. V malbě nabyla na významu emocionální, rytmická a koloristická jednota celku, neomezená svoboda tahů štětce, obrazová plynulost formy, smysl pro proměnlivost obrazu.

Baroko dalo světu vynikající spisovatele (T. Tasso, P. Calderon), umělce (Caravaggio, Correggio, P. Rubens, A. van Dyck), architekty (L. Bernini, F. Barromini), hudebníky (A. Vivaldi , I. S. Bach, G. Händel).

2
Michelangelo Merisi da Caravaggio. Mladý muž s loutnou (hráč na loutnu)
Datum vytvoření: 1595-1596, olej na plátně.
Rozměr plátna: 100 × 126,5 cm

Místo stálé expozice: Ermitáž (Petrohrad)

Caravaggiov obraz „Hráč na loutnu“ nebo „Mladý muž s loutnou“ je pozoruhodným exponátem Ermitáže. „Lute Player“ je jedním z prvních umělcových děl. Byl vytvořen v letech 1595-1596 na příkaz vysokého patrona Caravaggia, kardinála Francesca Maria Borbone del Monte. Existuje předpoklad, že loutnista je pár pro obraz „Chlapci hrají hudbu“. Na toto téma jsou celkem tři obrazy. První je uložen v Ermitáži, Petrohrad (Olej na plátně. 94 × 119 cm). Byl to obraz Ermitáž, který byl dlouhou dobu považován za jediný ze tří, který Caravaggio uznal.

Druhý obraz je v New Yorku v Metropolitním muzeu umění (100 × 126,5 cm). Poté, co Del Monte obraz prodal jednomu ze sběratelů, požádal umělce, aby vytvořil další dílo. Druhý obraz, který byl namalován pro stejného kardinála, byl mírně pozměněn. Zde odstranil sklenici s květinami, přidal flétnu, spinet a klec se stehlíkem.

Třetí obraz se nachází v Anglii, na panství Badmintonový dům (96 × 121 cm). Je to kopie obrazu, který visí v Ermitáži, ale s vlastními jemnostmi. Je o něco větší než obraz v Ermitáži, je světlejší a karafa s vodou odráží detaily interiéru.

Ve verzi „Hermitage“ a malbě z Badminton House jsou na otevřené stránce partitury snadno čitelné tóny basové linky madrigalu Jacoba Arkadelta. Voi sapete ch’io vi amo („Víš, že tě miluji“). Napsáno na jiném sešitě Gallus – jméno jednoho z Caravaggiových přátel, milánského hudebníka. Na obraze ze sbírky Wildenstein (umístěném v Metropolitním muzeu umění) je zápisník otevřen notovým záznamům madrigalů od italského skladatele Francesca de Lajole na slova Petrarky: Laisse le voile и Pourquoi ne vous donnez-vous pas? Yajeta de Berchema. Výběr převážně hudby francouzských a vlámských skladatelů je považován za symbolický – Francesco del Monte zastupoval u papežského dvora Toskánské vévodství, spojence Francie a nepřítele Španělska.

Loutna reprodukuje archaický příklad nástroje z první poloviny 16. století a křížový ornament na hmatníku houslí je iniciálou jména Krista v řecké transkripci (Χρίστος), které se často vyskytuje na nástroje cremonských řemeslníků.

Vědci nemohou jasně klasifikovat žánr „Lutna“. Jedná se jak o „malbu harmonie“, inspirovanou vyspělostí umění drnkacích na struny, a smutkem nad pomíjivostí života (zvuk loutny, jakmile se objeví, okamžitě zmizí), tak „omluvu Krista “: v tajemné kytici vlevo dole na plátně jsou květiny vybrány v souladu s jejich symbolickým významem přijatým v tehdejším umění pro kryptogram (z řeckého „tajného psaní“) pozemského života Ježíše .

Květiny, ovoce a nádoba jsou symboly Boha: je zároveň barvou, plodem vesmíru a nádobou pravdy. Plná tajného významu, toto je nejzajímavější část plátna. V době Caravaggia se móda šifer rozšířila. Vycházely speciální knihy se sáhodlouhým výkladem všech druhů symbolů. Je známo, že je používal Caravaggio. Každá položka měla několik významů najednou, což dále rozšiřovalo sémantický prostor kompozice.

Obraz „Loutnař“ obsahuje tyto květiny:

• Iris – symbolizuje zjevení Krista přinášejícího mír na zemi. Jelikož je tento symbol spojován s příchodem Boha na svět, byla kosatec vnímán také jako květ Panny Marie a někdy byl ve scéně Zvěstování zobrazován místo lilie.
• Růže – symbol utrpení a krve Ježíše. Existují obrazy, na kterých je Kristova koruna představena v podobě koruny růží. Tato květina je často spojována s Pannou Marií, ta však drží růži bez trnů
• Jasmin – symbol lásky a odpuštění. Bílá barva nám připomíná Ježíšovu čistotu a integritu.
• Kopretina – symbolizuje dětství Krista: Madonna, která chtěla dát Ježíškovi v zimě květinu, nic nenašla a sama si ji vyrobila z bílého hedvábí – ukázalo se, že je to sedmikráska
• Rosehip – jeden ze symbolů Ježíšovy trnové koruny. Jeho červené plody jsou spojeny s kapkami Kristovy krve, které stékaly z jeho čela během cesty na Kalvárii

• oranžový – symbol věčné spravedlnosti Páně. Sdružení vzniklo proto, že z tohoto stromu neopadává listí. Pomeranč také představuje symbol míru a může být držen v Ježíšových rukou. Bílé oranžové květy jsou zároveň spojeny s čistotou a proto tradičně zdobí Pannu Marii nebo nevěstin věnec. Oranžové ovoce bylo také vnímáno jako symbol nebeského života
• Fík (fíkovník) – symbol muky kříže a vzkříšení, tedy Božího milosrdenství vůči lidem. V Lukášově evangeliu je podobenství. Jeden muž měl na vinici fíkovník, ale nebylo na něm žádné ovoce a majitel ho chtěl pokácet. Vinař však navrhl počkat ještě rok: pokud ani po roce fíkovník neplodí, pak by se měl pokácet. Pán také odkládá období soudu pro pozemský svět v naději na nápravu lidí
• Švestka – byl považován za symbol věrnosti, ale nabýval dalších významů v závislosti na barvě. Tmavě fialová švestka znamená utrpení a smrt Krista, žlutá švestka představuje Ježíšovu čistotu a červená představuje jeho milosrdenství. White mluví o své pokoře
• Hruška – svou jemností a sladkostí je přirovnávána k jemnosti a lásce Boží ke světu.

Badatelé umělcova umění říkají s vysokou mírou sebevědomí, že v tomto obraze Caravaggio poprvé uplatnil svůj vlastní, později charakteristický rys malby – kontrastní šerosvit, slavné tenebroso (ze španělštiny „temný, ponurý“), kdy jsou postavy a předměty vytrženy z naprosté tmy matným paprskem a objeví se téměř hmatatelný objem a emoce získávají dramatický nádech. Tento divadelní efekt by se stal velmi populárním v době baroka. A tuto techniku ​​využijí i jeho následovníci.

Caravaggio pečlivě studoval přírodu a pochopil účinek vzájemného ovlivňování osvětlených objektů. Na obraze Ermitáž tak přenesl reflex dopadající na mladíkovu tvář z jeho jasně osvětleného ramene; učinil stín na zadní straně loutny světlým a průhledným, když na něj dopadají odrazy bílých stránek notové knihy.

Mladík ladí loutnu a je zcela pohlcen plynoucími zvuky, o čemž svědčí záklon hlavy, pootevřená ústa a výraz očí, nepřítomně hledících za diváka. To vše je napsáno tak jemně, tak mistrně, že se zdá, jako by zvuk nástroje slyšel sám divák.

Podle umělcova životopisce Giovanniho Belloriho považoval Caravaggio tento obraz za své nejlepší dílo.

3
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610) – italský malíř, jeden z největších představitelů barokního stylu, se narodil 28. září 1573 v italské vesnici Caravaggio. Jeho otec byl majordomem a architektem markýze Caravaggia. Až do počátku 1590. let 1593. století studoval Michelangelo da Caravaggio u milánského umělce Simone Peterzana a kolem roku XNUMX odešel do Říma.

Zpočátku byl jeho život v Římě těžký, pracoval jako námezdní dělník. Po nějaké době se ho ale jako asistenta ujal módní malíř Cesari d’Arpino, v jehož dílně Caravaggio maloval zátiší na mistrovy monumentální obrazy. Bylo to krátké období práce s Cesari, protože. Caravaggio byl hospitalizován kvůli silné ráně od koně. Když se uzdravil, rozhodl se pracovat samostatně.

“Košík s ovocem”

V roce 1595 našel Caravaggio vlivného mecenáše v kardinálu Francescu Marii del Monte, který ho uvedl do uměleckého prostředí Říma. Del Monte se vyznačoval svými rozmanitými zájmy, byl přítelem Galilea a dobře znal hudbu, divadlo a malbu. Umělec pro něj namaloval některé ze svých nejlepších obrazů – “Košík s ovocem”, “Bacchus” a “Hráč na loutnu”.

Na konci 1590. let XNUMX. století vytvořil umělec díla jako „Koncert“, “Věštkyně”. Tím, že se poprvé obrátil k „čistému“ zátiší a „dobrodružnému“ žánru, otevírá nové možnosti malby, které se budou dále rozvíjet mezi jeho následovníky.

Caravaggiova postava se vyznačovala tvrdostí a nespoutaným temperamentem, který ho zatahoval do hlučných hádek končících souboji, za což byl opakovaně vězněn. Často byl obklopen gamblery, podvodníky, rváče a dobrodruhy.

„Povolání apoštola Matouše“

Na přelomu 1597.-XNUMX. století vytvořil Caravaggio dva cykly obrazů podle výjevů ze života apoštolů. Pod patronací kardinála del Monte získal v roce XNUMX zakázku na kapli Contarelli v kostele San Luigi dei Francesi v Římě, kde namaloval tři obrazy věnované apoštolu Matoušovi. Z nich se dochovaly pouze dvě – „Povolání apoštola Matouše“ a „Umučení apoštola Matouše“ (1599-1600). Pro kapli Cerasi v Římě dokončil Caravaggio dvě skladby – „Obrácení Saula“ a „Ukřižování apoštola Petra“. Později pokračoval v práci pro jiné církve.

Řada odvážných dovádění provázela život umělce, až v roce 1606 skončila vraždou mladého muže v hádce při hře s míčem a Caravaggio uprchl z Říma do Neapole, odkud se v roce 1607 přestěhoval na ostrov Malta, kde byl přijat do Maltézského řádu. Po hádce s vysoce postaveným členem řádu byl však uvězněn, odkud uprchl na Sicílii a poté do jižní Itálie, kde v Neapoli čekal na milost.

„David s hlavou Goliáše“

Při svých toulkách umělec vytvořil řadu vynikajících děl náboženské malby. V Neapoli namaloval velké oltářní obrazy „Sedm skutků milosrdenství“ (kostel Pio Monte della Misaricordia), „Madona z růžence“ a „Bičování Krista“. Na Maltě vytvořil pro kostel San Domenico Maggiore obrazy „Stětí Jana Křtitele“ a „Svatý Jeroným“, na Sicílii „Pohřeb sv. Lucie“ pro kostel sv. Lucie, „Vzkříšení sv. Lazara“ pro janovského obchodníka Lazzariho a „Klanění pastýřů“ pro kostel Santa Maria degli Angeli. Mezi poslední Caravaggiova díla patří i obraz “David s hlavou Goliáše” ve kterém hlava Goliáše údajně představuje autoportrét umělce.

V roce 1610, po obdržení milosti od kardinála Gonzagy, umělec naložil své věci na loď s úmyslem vrátit se do Říma, ale nikdy nedosáhl svého cíle. Na břehu byl omylem zatčen španělskými strážemi a zadržen, ale brzy byl propuštěn. 18. července 1610 zemřel Caravaggio na malárii v italském městě Porto Ercole ve věku 37 let.

Kreativita Caravaggia měl významný vliv nejen na mnoho italských umělců 17. století, ale i na přední západoevropské mistry – Petera Paula Rubense, Diega Velazqueze, José de Riberu, a také dal vzniknout novému směru v umění – karavaggismus.

Dílo Caravaggia, který nepatřil k žádné konkrétní umělecké škole, vzniklo jako opozice vůči dominantním trendům italského umění konce 1608. a počátku XNUMX. století. (manýrismus a akademismus). Caravaggiovy obrazy se vyznačují lakonismem a jednoduchostí kompozice, energickým plastickým modelováním. Caravaggiov malířský styl je založen na silných kontrastech světla a stínu, expresivní jednoduchosti gest a bohatých barvách, které vytvářejí emocionální napětí a dramatický efekt. Jednoduchost obrazů a odvážné prosazování demokratických uměleckých ideálů staví umělce do opozice vůči současnému umění. Caravaggio se ve své pozdní tvorbě obrací k tématu osamělosti člověka ve světě jemu nepřátelském, přitahuje ho obraz malého společenství lidí spojených rodinnou blízkostí a duchovní vřelostí („Pohřeb sv. Lucie“, XNUMX; ). Světlo v Caravaggiových obrazech se stává měkkým a pohyblivým, barevnost směřuje k tónové jednotě a malířský styl nabývá rysů volné improvizace.

Barokní – (pravděpodobně: z port. perola barroco – perla bizarního tvaru, italské barocco [1] – domýšlivá, bizarní rétorická postava) – obecný kulturní fenomén, dominantní styl v evropském umění konce XNUMX. – pol. XNUMX. stol. století. V širokém smyslu zahrnuje vnější formy každodenního života, karnevaly, procesí a rysy filozofické a vědecké prezentace. Definice „baroka“ se vztahuje na různé fenomény: umělecká hnutí (soubor myšlenek, filozofických konceptů, estetických norem a pravidel) v protikladu ke klasicismu, historický umělecký styl, řadu historických a regionálních uměleckých stylů, směrů a škol, individuální styly a způsoby práce jednotlivých mistrů.

Centrem barokní kultury 2.-XNUMX. století byla Itálie, ale v různých zemích má tato epocha odlišnou chronologii, periodizaci a terminologické vymezení. Stejný zobecňující termín se vztahuje na „poslední, kritické fáze vývoje jiných stylů, sklon k neklidnému, romantickému postoji, myšlení ve expresivních, nevyrovnaných formách“. Proto se slovo „baroko“ používá jako metafora v historických a kulturních zobecněních: „doba baroka, svět baroka, barokní člověk, život baroka (italsky la vita barocca)“ [XNUMX].

Baroko odráželo krizi feudalismu v době primitivní akumulace a koloniální expanze a rostoucí rozpory v náboženském a společenském vědomí [3]. Za jeden ze zdrojů jeho vzniku jako stylu je považována ideologie a estetika katolicismu, ideologické hnutí protireformace a rozhodnutí Tridentského koncilu katolické církve, proto se baroku také říká „sloh protireformace“ a „umění iluze“ [4].

Baroko se vyznačuje smyslem pro detail, symboly a alegorie, grandiózní kompozice, nadsázka, emocionalita, okázalost, zdobené, zakřivené linie a hojnost dekorů. Charakteristické rysy v architektonických strukturách: složité dekorativní techniky, složité dekorace, opakující se motivy v interiéru a exteriéru budov, zlacené sochy, pestře malované stropy, iluzivní efekty (trompe l’oeil), velkoplošné fresky [5].

Příběh

Původ a zavedení termínu

Théophile Gautier, litografie, cca 1911

Pojem baroko se v kulturních studiích a hnutí v umění objevil o něco později než samotná definice. Existuje několik verzí původu termínu:

• z portugalštiny”baruecca“, kde přibližný překlad je nepravidelně tvarovaná perla. Používaný jako slang portugalskými středověkými námořníky.
• “barocco” – domýšlivý; složitá, bizarní rétorická figura; v 16. století se v italštině objevilo jako synonymum pro vše hrubé, falešné, neohrabané.
• «baroko“ – v logice jedna z forem sylogismu, tedy uvažování, v němž jsou dvě premisy spojeny společným pojmem;
• ve Francii klenotníci nazývali slovo „baroko“ označoval takové pojmy jako: zjemnit obrys, učinit tvar měkkým, malebným
• z latinského mnemotechnického označení pro postavu sylogismu – “barroc”
• ze středověkého slova “baroko”“ – směšné pedantství [6]

Termín zavedl kritik, francouzský prozaik a básník romantické školy, novinář Théophile Gautier [6].

Později v 7. století tento termín získal význam negativního, negativního hodnocení v estetice. Vše drsné a neohrabané se nazývalo barokem. Obecně byl tento termín zpočátku používán jako charakteristika kultury jako úpadek nebo její dokončení. Ve Francii XNUMX. století se tímto termínem označoval jakýkoli projev umění, který se liší od klasického vkusu, „není v souladu s pravidly, příliš přehnaný“ [XNUMX]. Termín byl často používán posměšně a hodnotil celou éru z pohledu člověka XNUMX. století, to pokračovalo až do poloviny XNUMX. století, až do rozvoje nových kulturních myšlenek.

Pojem „baroko“ postupem času ztratil negativní konotaci a začal se používat ve vztahu k sochařství, malířství, hudbě a literatuře. Anglický spisovatel Maugham, prozaik z období baroka, ve své knize „Summing Up“ [8] říká:

Baroko je tragický, masivní, mystický styl. Je to spontánní. Vyžaduje to hloubku a vhled

Učení konceptu

Pro charakterizaci kulturního hnutí byl tento termín poprvé zmíněn v roce 1888 švýcarským spisovatelem, historikem a teoretikem umění Heinrichem Wölfflinem, který definoval baroko jako nejvyšší, poslední v hierarchii, kritické stadium ve vývoji jakéhokoli uměleckého stylu. Etapy jsou rozděleny v pořadí: archaické, klasické, barokní [9]. Kontrast mezi klasicismem a barokem jako neustále se opakujícími a obnovujícími se fázemi vývoje formativních metod v dějinách již nevyvolává žádné negativní vlastnosti.

Na základě pozorování mechanismů interakce jevů definovaných klasickou opozicí „renesance – baroko“ odvodil Wölfflin pět dvojic „základních pojmů dějin umění“:

1. lineárnost – malebnost;
2. rovina – hloubka;
3. uzavřená forma – otevřená forma (tektonicita a atektonicita);
4. pluralita – jednota (mnohonásobná jednota a integrální jednota);
5. jasnost – nejednoznačnost (bezpodmínečná a podmíněná jasnost).

Levá část „dvojic pojmů“ charakterizuje podle Wölfflina raná stádia vývoje jakéhokoli historického druhu umění, stejně jako umění klasicismu, pravá – pozdější fáze a umění barokního stylu. . Mezi renesancí a klasicismem tak zaujalo místo historické baroko a jeho pozdější etapa se nadále nazývala rokoko [10].

Podle historika umění Maxe Dvořáka lze baroko definovat nejen jako styl, ale také jako určitý světonázor, neboť termín a styl z něj vyplývající nejsou zcela pochopeny [11]. Dvořák odlišuje manýrismus od raného baroka, tento koncept však většina moderních vědců nesdílí a rokoko je považováno za samostatný a originální umělecký styl [10].

V současné době se pod pojmem „baroko“ rozumí řada historických a regionálních uměleckých slohů evropského umění 17.-18. expresivní, nevyvážené formy.

Slovo „baroko“ se také používá jako metafora. Každé historické období ve vývoji umění vidí své vlastní „baroko“ – vrchol tvůrčího vzestupu, koncentrace emocí, napětí forem. Badatelé hovoří a píší o kvalitách baroka jako nedílné vlastnosti jednotlivých národních kultur a historických druhů umění [12].

Hlavní charakteristiky doby

Co je život? Šílenství.
Co je život? Iluze,
stín, fikce,
a největší dobro je nejmenší;
že celý život je sen,
ale jsou sny, jsou sny.

Původní text (angl.) [zobrazit skrýt]

Qué es la vida? Un frenesí.
Qué es la vida? bez iluze,
stín, fikce,
a největší dobro je malé;
že celý život je sen,
a sny jsou sny.

— Pedro Calderona de la Barca, Život je sen, 1635 [13]

Renesanci, se svým přirozeným smyslem pro proporce a jasnost, nahrazuje kulturní vrstva postavená na kontrastech a asymetrii, umění, které má tendenci být grandiózní a přeplněné dekorativními motivy.

Baroko vykazuje rysy mystiky, fantazie, iracionality a zvýšeného výrazu, které v něm koexistují se střídmostí a rozumem. V systému vizuálních prostředků má baroko výrazné specifické rysy, kterými se stává snadno rozpoznatelným: křivočaré obrysy, znamenitá honosnost linií, nádhera, dekorativnost, okázalost, pompéznost a afektovanost ve vyjadřování pocitů, alegorie, touha ohromit a omráčit. , působivost.

Dvorský život (organizace slavností, triumfů, maškar, průvodů) určoval barokní sloh plný znamenitých metafor a alegorií.

Barokní umělecké myšlení je komplikované: duchovní aspirace se spojuje s pozemským impulsem k odhalení dramatu vztahu člověka k věčnosti [5].

Charakteristika barokních děl

Barokní díla smiřují člověka s disharmonií a nekonzistencí existence, vytvářejí dojem nevyčerpatelné energie.

• extravagantní domýšlivost,
• nádherná nádhera,
• excentricita,
• nadměrné kvetení,
• afekty, fanfáry,
• démonismus, malebnost,
• dekorativnost, ornamentalita,
• teatrálnost, okouzlení,
• přetížené formálními prvky,
• grotesknost a emblematismus (konvenční zobrazení myšlenky),
• záliba v soběstačných detailech, protikladech, fantazijních metaforách a hyperbolách [5].

Barokní metafory podléhaly principu vtipu („ladnost mysli“).

Barokní umělci se věnovali encyklopedickému učení a do svých děl vetkávali mimoliterární materiál (nejlépe exotický). Baroko se stalo ranou formou eklekticismu, oslovovalo různé evropské i mimoevropské tradice, asimilovalo jejich umělecké prostředky a národní styly do rekonstruovaných forem, přetvářelo tradice a rozvíjelo nové žánry (zejména barokní román). K eklektismu baroka patří i jeho „naturalismus“ – horlivý smysl pro detail a doslova nadbytek detailů. Baroko se vyznačuje oživením ducha pozdního středověku, dualismem, protikladem k monismu renesance a osvícenství.

Barokním tématům dominuje strach z lidského utrpení, v němž se snoubí touha po životě a slasti se strachem ze smrti, vyhlídka na „poslední soud“ a pocit „vanitas“ (pomíjivosti a marnosti existence). Cílem barokní éry byla současná víra v zázraky a jejich vyhnání. Baroko, zrozené v období války, duchovní a materiální krize a společenského rozdělení, ustoupilo klasicismu, v němž se společenské síly soustředily kolem silné královské moci [14].

Člověk a životní styl doby

Společenský, světský život baroka zosobňoval teatrálnost, umělost žití času, čímž spojoval protiklady: přirozené a božské, mysl a city, hmotné a duchovní vnímání světa.

V této době se vytvořily předpoklady pro sjednocení racionální a metafyzické zkušenosti a božské podstaty. Kontrast mezi pozemským světem, naplněným bolestí a utrpením, a nebeským světem s jeho nedosažitelnou harmonií a řádem vyvolával rozpory a otázky.

Jestliže se renesance stala érou geografických objevů, pak baroko bylo dobou jejich aktivního rozvoje a vytyčování nových cest, začátkem éry otroctví a námořních bitev mezi státy o právo vlastnit nové země – kolonie. Evropan se již cítí nejen objevitelem, ale i mistrem, dobyvatelem nového světa. Touha barokního člověka prosadit se, cítit ve všem vlastní důležitost nabývá hypertrofovaných podob. Oslava se mění ve velkolepou divadelní událost, karneval po několik dní neutichá a veškerý život, veřejný i každodenní, je charakterizován přídomkem „na výstavě“.

Alegorie se stává normou uměleckého slovníku ve všech typech plastického a scénického umění, včetně takových syntetických forem, jako jsou festivaly [15].